Faruk and Mona, the main characters in „The White Fortress/Tabija“, live in Sarajevo, Bosnia. The young protagonists fall in love with each other and the audience gets a glimpse into their (different) lives and especially into what keeps them busy: How they deal with the hopelessness that prevails in the country, even more so after the post-Cold War period. We spoke to the film’s Bosnian-Canadian director, Igor Drljača, who was part of the first generation of mass exodus that began during the Bosnian civil war and who wanted to create the film to focus on the struggles of the younger generation in Bosnia. 

zeitgeschichte|online: Why is the movie called Tabija, has the word a special meaning?

Igor Drljača: The word doesn’t have a special meaning, but the Bijela Tabija (The White Fortress) is one of the most recognizable medieval structures in Sarajevo since it overlooks the city. I wanted to bring some of the city’s history into the film, the history that is always in the background, serving as a reminder that this space has not healed. The problems of political corruption and nationalism, combined with poverty, are always there.

zeitgeschichte|online: Faruk and Mona, the two young protagonists who are representing different socioeconomic backgrounds, get to meet, a short window of possibilities to overwind boundaries opens. They grew up in different realities but understand each other. The story is backed up by fairytale and mystery elements. As the two stroll down the lonely street for example, the situation reminds Mona of a fairy tale, while Faruk thinks of the beginning of a horror movie. This contrast between horror and fairy tale is also taken up visually by the cinematic design and typical fairytale iconography. Why does the fairytale elements contest the horror ones in the end?

Igor Drljača: I wouldn’t say that fairytale elements contest horror ones. Fairy tales are very much rooted in in a reality defined by horror. Like in other fairytales, our protagonist finds coping mechanisms to deal with his seemingly hopeless situation. How one finds love in a post-war space like this is something I was interested in exploring, a space in which a future seems difficult and out of reach for many. When Faruk disappears, his disappearance is a matter of perspective. Mona’s perspective is the romantic one, but a far more insidious and real one is there throughout the film.

zeitgeschichte|online: What is the importance of the dog in the narrative development of the plot?

Igor Drljača: The dog is both real and metaphysical. It’s an omen throughout the film, and while it doesn’t move the plot, it is suggestive of trouble ahead if one pursues a particular path. I wanted the metaphysical elements in the film to serve as a source of tension. This tension comes from many different sources, whether it be the city’s collective trauma or the individual traumas of the post-war generation. There is also an inherent tension created by poverty, and the aimlessness that it causes, a type of boredom that leads to self-harm and which the new generation is increasingly trapped in. There is a massive 40%+ unemployment rate among young people in Bosnia and Herzegovina, and that alone is enough for many to turn to other outlets to either make money or to simply just pass time.

zeitgeschichte|online: Did you have a specific audience in mind, creating „The White Fortress/Tabija“?

Igor Drljača: I was primarily thinking about the young people in Bosnia. Their future is uncertain, and many are leaving the country to look for opportunities elsewhere. There aren’t many films or even television shows made in Bosnia. They primarily import their entertainment, and given this fact, the problems of the people in Bosnia become invisible. The frustrations of the country’s youth seem more existential than real, and I wanted to make something that at least brings some focus to their struggles.

Filmstill: Pavle Čemerikić (Faruk) und Sumeja Dardagan (Mona), in: Tabija/ The White Fortress, by Igor Drljaca, CAN, BIH 2021, Generation, Mit freundlicher Genehmigung von Timelapse Pictures

zeitgeschichte|online: As you already mentioned, the movie makes clear that there are few opportunities in Bosnia, especially for the young generation. At few points the protagonists talk about a (brighter) future. Is Tabija capturing the sentiments of the young generation in Bosnia right now?

Igor Drljača: My primary reason for making the film is to document and give form to a sense of hopelessness and inertia that exists in Bosnia today. When you see so many people leaving Sarajevo – and Bosnia at large – it is heartbreaking that some of the country’s most talented are taking their abilities elsewhere. They are moving their stories elsewhere, and are taking with them a part of what made Bosnia such a thriving creative space in the second half of the 20th century. I was in the first generation of this mass exodus that began during the Bosnian civil war. But what is more concerning now is this “cold war” post-1995 period, in which the country has not made concrete steps toward a future that provides for its people, and ethnic rivalrly is constantly used as a wedge issue.

zeitgeschichte|online: What attribution to Faruk’s character does the subtle excerpts of film footage with Nazi references, such as the loud artillery fire or the conversation between two Nazis in Sarajevo in a WW2 Propaganda movie? Why is Faruk the only one in Tabija visually confronting himself with this past? Is everyone in Bosnia effected in the same way by the consequences of war from World War 1 until the Bosnian war?

Igor Drljača: The people of Bosnia and Herzegovina, and the region at large, including myself, carry inter-generational traumas that tend to be largely ignored, and Faruk is trying to break that trend. Bosnians haven’t really confronted the legacy of the wars waged in the 20th century, in part due to internal and external pressures that deny certain realities and responsibilities. There was no winner in this latest war. The Dayton Accords that ended the war were meant to provide a temporary framework, but remain in place. Dayton is a poorly constructed peace treaty that incentivizes political paralysis, continued nationalism, and rewards the type politics that were responsible for the war in the first place. The international community has in essence given up on Bosnia, and has given Belgrade and Zagreb the keys to preventing or starting another bloodbath. Because Dayton entrenches ethnic identities, politicians of all there ethnic groups continue to play a game that allows for ethnic rivalry to be the dominant discourse. As long as Belgrade and Zagreb are playing this game, and as long as the EU and the US are reluctant to step in (since they helped create the peace treaty in the first place), there will be no meaningful movement forward. This paralysis benefits the Croatian and Serbian political elites as much as Bosniak ones in Bosnia. At the same time, while some of the criminals who were the primary perpetrators of the various wars in the region have been tried, their legacy lives on, and is even celebrated by many in some parts of the country.

zeitgeschichte|online: Other subtle elements in the film are the political themes. Viewers of the film can observe an election campaign in the background, and it seems that both Faruk and Mona, including their surroundings, act outside the political framework. What kind of political atmosphere did you want to portray?

Igor Drljača: Elections in Bosnia are always anxiety inducing, but the act of voting doesn’t provide an outlet for change or a meaningful dialog for younger generations. Politicians who might want to change something lack a framework for enacting those changes. Politics becomes almost purely performative in the Bosnian context. Career Politicians in the country are increasingly disconnected from reality, and have forgotten or at best have little concern for most of its people.

Filmstill: Pavle Čemerikić (Faruk) und Freund, in: Tabija/ The White Fortress, by Igor Drljaca, CAN, BIH 2021, Mit freundlicher Genehmigung von Timelapse Pictures

zeitgeschichte|online: „The White Fortress/Tabija“ seems like a way out of the valley’s misery. Would you say that for the inhabitants of the golden valley the white fortress remains out of reach?

Igor Drljača: Yes, in a manner of speaking. The White Fortress is a reminder of how the country remains trapped. But the film is also a reminder that traveling to an idealized version or period of the city’s history is not a realistic way of dealing with the traumas that we all carry with us. We come up with elaborate ways to convince ourselves that things have been better, and therefore will be better again. But this is not real. For me, I think this film was also about exploring my own rootlessness. I am no longer a part of the daily life of that city and as more of us leave, more of us feel like strangers in Sarajevo, very much like travelers from another time.

„Tabija/ The White Fortress“ läuft am 20. Juni 2021 um 17.30 im Rahmen des Berlinale Summer Specials auf der Neuen Bühne Hasenheide.

Für den Dokumentarfilm „Genderation“ besuchte die Filmemacherin Monika Treut einige ihrer Freund*innen wieder, die im San Francisco der 1990er Jahre in der trans*[1]Community aktiv waren. Namentlich sind das Annie Sprinkle, Beth Stephens, Stafford, Sandy Stone, Susan Stryker und Max Wolf Valerio, die sie schon einmal im Jahr 1998 portraitiert hatte. Monika Treuts Ziel war es damals, „to visit some extraordinary people who are broadening our understanding of gender & gender roles.“ Die aus dem Besuch entstandene Dokumentation „Gendernauts“ lief 1999 auf der Berlinale in der Sektion Panorama.

Zwischen den Dokumentarfilmen Gendernauts und dem dieses Jahr produzierten und auf der Berlinale gezeigten Film Genderation, liegen mehr als zwanzig Jahre, in denen die Protagonist*innen älter geworden sind und einiges erlebt haben. Auch die gesellschaftlichen Rahmenbedingungen sind andere. Ist in Gendernauts noch die Rede von Cyborgs und den Möglichkeiten von Internet und Computern, so wird nun die Bedrohung durch den menschengemachten Klimawandel spürbarer, die Rede ist vom Anthropozän und die Tech-Giganten haben das Stadtbild vereinheitlicht und viele marginalisierte Gruppen aus der Stadt verdrängt. War San Francisco in den 90ern noch „the queer Mekka“, ist es jetzt höchstens „the clitoris of the US“. Als Folge der Verdrängung haben sich auch die Schauplätze in Genderation ausdifferenziert. Durch die Dokumentation zieht sich die Frage, was vom aktivistischen „Pioniergeist“ noch übriggeblieben ist oder wie sich dieser womöglich auch verändert hat.

Bewusst ist hier vom Besuch bei Freund*innen die Rede, was sowohl durch die sensible Erzählweise Treuts als auch aus den Reaktionen der meisten Protagonist*innen hervorgeht, wenn diese aufeinandertreffen. Sie selbst beschreibt ihre Filme auch als „Home movies“[2]. In Gendernauts nehmen die Zuschauer*innen beispielsweise an Dinnerparties teil und die Gespräche wirken ungezwungen oder beiläufig aufgenommen. In Genderation ruft während eines Gesprächs mit Sandy Stone deren Ex-Partnerin, „beloved-ex“ und Maklerin an und überbringt die Nachricht, Stone hätte just in diesem Moment ein Haus gekauft. Die Kamera läuft einfach weiter, Stone spricht in ihr Handy: „We`re making a film right now“. 

Wechselnd werden in Genderation Einblicke in die aktuellen Lebensrealitäten der einzelnen Portraitierten gezeigt. Stafford, der in Gendernauts auf die Frage, ob Stafford ein Mann oder eine Frau sei, noch mit „Ja“ antwortete, hat nun ein Umzugsunternehmen und plant ein Wohnprojekt in der Wüste aufzubauen. Er hat seine Transition[3] abgeschlossen, versteht sich aber als „ambassador of trans*“ und klärt die Menschen in seinem Umfeld auf. Annie Sprinkle, unter anderem promovierte Pornoaktivistin, Autorin, Künstlerin und ihre Lebensgefährtin Beth Stephens sind nun in der Ökosexbewegung aktiv und stellen ihre politische Kunst auf der documenta in Kassel aus. Die beiden beschäftigen sich auf eine für sie neue Art und Weise mit Sexualitäten, möchten diese redefinieren, weil sie meinen, dass sie zu Normen und Stereotypen verkommen sind. Max Wolf Valerio hat eine Biografie geschrieben: „The Testosterone Files“. Für ihn ist die Transititon ebenfalls abgeschlossen und er betont, dass er diese nicht gemacht habe, um das binäre Gendersystem aufzubrechen, sondern für sich. Darin schwingt Kritik an denen mit, die allen trans* Personen automatisch Aktivismus unterstellen und Einzelpersonen zu Repräsentant*innen einer Gruppe stilisieren. In Genderation werden, mehr noch als Gendernauts, Nuancen in den Einzelbiographien sichtbar und es wird klar, dass nicht alle mit den gleichen Privilegien ausgestattet sind, um permanent aktivistisch zu sein.

Wenn in Genderation über das San Francisco der 1990er Jahre reflektiert wird, ist spürbar, dass sich untereinander damals weniger als heute über Zukunftsvorstellungen ausgetauscht wurde. Greifbar wird dieses Gefühl, im Hier und Jetzt zu leben, in einer Szene aus Gendernauts. Susan Stryker schaut mit einem Jungen, der die Haare lang und eine Schleife im Haar trägt, die Sesamstraße, in der eine Drag Queen auftritt. Beseelt spricht sie in die Kamera: „that is what gender has come to in the late 20^th century.” Susan Stryker, Professorin für Gender Studies, Gründerin der Transgender Studies Initiative an der Universität Arizona und Filmemacherin, beschreibt ihre damalige Szene sicher treffend als „brief cultural moment“, und hat eine gewisse Nostalgie übrig für diesen Lebensabschnitt, einen der „peak moments of your live“.

Im Rückblick wirkt diese Zeit in San Francisco für viele jedoch auch wie eine von mehreren wichtigen Lebensphasen, es gab womöglich noch andere ‚peak moments‘. Das wird deutlich, wenn Sandy Stone von der Trauer um ihren Lebenspartner spricht. Ein interessanter Aspekt, der in der Machart von Genderation als Follow-Up angelegt ist, ist auch die Frage, wie die Personen den Moment, den sie Ende der 90er miterlebten und mitgestalteten, in ihren Biografien verorten. Ähnlich wie bei einem Oral History-Interview und mit der gleichen Nähe und Offenheit wie in Gendernauts, besucht Monika Treut die Portraiterten und lässt diese selbst bestimmen, was und wie sie erzählen. Somit liegt die Deutungshoheit bei den Sprecher*innen und eine Einordnung geschieht, wenn überhaupt, eher beiläufig: Beispielsweise wenn Stafford während einer LKW-Fahrt darauf hinweist, dass unter der Trump-Regierung viele der erkämpftem LGBTQ-Rechte wieder eingeschränkt wurden[4]. Plötzlich fühlt sich der Freiraum auf der „Insel“ San Francisco Ende der 1990er Jahren, der ausschnittsweise in Gendernauts gezeigt wird, so auch für die Zuschauer*innen sehr fern an.

Um vermehrte Diskriminierung von trans* Personen, unter anderem im Rechtssystem, festzustellen, müssen wir nicht unbedingt in die USA schauen. Besonders gesundheitspolitisch wurden in Deutschland in den letzten Jahren immer wieder queerpolitische Anträge abgelehnt, wie beispielsweise Entschädigungszahlungen für Zwangs-Operationen (u.a. medizinische Operationen im Säuglingsalter). Erst kürzlich standen zwei Gesetzentwürfe zur Abstimmung, die das Transsexuellengesetz (TSG) durch ein Selbstbestimmungsrecht zu ersetzten ersuchten.[5] Die Entwürfe sahen unter anderem vor, die teure und entwürdigende Begutachtungspflicht durch eine selbstbestimmte Erklärung zu Geschlecht und Namen zu ersetzen. Nach einer Debatte, die auch gängige Klischees und Mythen über trans* Personen reproduzierte, wurden die Anträge abgelehnt.[6]

Der enge Fokus auf San Francisco und die Portraitierten, der das Bild in Gendernauts geprägt hat, öffnet sich nun in Genderation ein wenig. Nicht nur werden die Lebenserzählungen differenzierter und die Schauplätze durch die verschiedenen Wohnorte pluraler. Auch Interaktionen mit der jeweiligen Umwelt werden festgehalten, wie etwa Annie Sprinkles Performance auf der Documenta oder Staffords Austausch mit seinen neuen Nachbarn.

Klar muss jedoch sein, dass die Portraitierten aus Gendernauts und Genderation nur einen Ausschnitt queerer Kämpfe abbilden, die begonnen haben, lange bevor es die Bezeichnung queer überhaupt gab. Diese Informationen bleiben stellenweise außen vor, sie sind jedoch auch nicht das Ziel der Dokumentationen. Nicht nur die Aktivist*innen aus Monika Treuts Dokumentarfilmen versuchten oder versuchen, gegen festgefahrene Geschlechterbilder anzukämpfen, die ganz konkret in Pathologisierung, Diskriminierung oder offenem Hass gegenüber trans* Personen mündete und mündet. Deutlich wird dies allein, wenn man sich die wechselvolle Geschichte der LGBTQ-Bewegung in San Franciscos im Detail anschaut, wo beispielsweise schon in den 1960er Jahren trans* Personen im Lokal „Comptons Cafeteria“ gegen die Polizei rebellierten.[7] Lediglich an einer Stelle wird sich in Gendernauts in eine historische Kontinuität gestellt, als Texas Tomboy das San Francisco Ende der 90er Jahre mit dem (populären Bild des) Berlin der 20er Jahre vergleicht.

Die Dokumentationen machen den Zuschauer*innen, trotz des Fokus auf Einzelpersonen, das Angebot, sich weiter mit der trans*Bewegung zu beschäftigen. Die Portraitierten haben Bücher geschrieben, Filme[8] und Kunst gemacht oder sich wissenschaftlich mit der Geschichte der LGBTQ-Bewegung(en)[9] und Gendertheorien[10] auseinandergesetzt. Folgen aufmerksame Zuschauer*innen diesen Querverweisen, stoßen sie auf spannende Geschichten und gut aufgearbeitete, digitalisierte Primärquellen der LGBTQ Archive in den USA, woran in Deutschland ebenfalls gearbeitet wird – leider oft unterfinanziert.

Auf die Frage, was das Älterwerden nun schlussendlich bedeutet, findet Sandy Stone gegen Ende des Films die passenden Worte: „they grow into themselves but that means differently [sic!] for different people. Some people settle, some people never give up […] adventuring, questioning, that`s a journey they take all their lives and they are always going to be gendernauts.”

‚Genderation‘ von Monika Treut, Deutschland 2021, 88 Minuten.

Der Dokumentarfilm Genderation wird am 10. Juni im Freiluftkino Kreuzberg und am 17. Juni im Freiluftkino Biesdorfer Parkbühne gezeigt.

[1]„Trans* ist ein Überbegriff für Personen, die sich nicht oder nur teilweise mit dem bei der Geburt eingetragenen Geschlecht identifizieren. Das Wort trans kommt aus dem Lateinischen und bedeutet „jenseits/darüber hinaus“. Es gibt eine Vielzahl verschiedener Selbstbezeichnungen, die in verschiedenen Kontexten und Zeiten entstanden sind. Beispielsweise gibt es Begriffe wie transgender, Mann bzw. Frau (mit trans* Vergangenheit), nicht-binär, transgeschlechtlich, transident, transsexuell und weitere (siehe unten). Grundlegend wichtig ist es, Menschen nach der eigenen Selbstbezeichnung zu fragen und diese zu respektieren. Manche trans* Personen möchten geschlechtsangleichende medizinische Maßnahmen oder eine Änderung des Vornamens und Geschlechtseintrags. Andere möchten keine oder nur bestimmte medizinische Maßnahmen oder ändern ihren Namen nicht“ (Erklärung der Trans* Inter* Beratungsstelle München).

[2] Tobias Nagl: Sexuelle Avantgarde, in: taz, 10.03.1999.

[3] „Als Transition wird der Prozess bezeichnet, in dem eine trans* Person soziale, körperliche und/oder juristische Änderungen vornimmt, um die eigene Geschlechtsidentität auszudrücken. Dazu können Hormontherapien und Operationen gehören, aber auch Namens- und Personenstandsänderungen, ein anderer Kleidungsstil und vieles andere.“ (Erklärung aus dem Queer Lexikon, Lizenz: CC BY-NC-ND 3.0).

[4] Vgl. Wyatt Ronan: 2021 Slated to Become Worst Year for LGBTQ State Legislative Attacks as Unprecedented Number of States Poised to Enact Record-Shattering Number of Anti-LGBTQ Measures Into Law, in: Human Rights Campaign, 22.04.2021.

[5] Weiterführende Literatur zum TSG: Adrian de Silva: Interactions between the regulation of homosexuality and transsexuality since the enactment of the Transsexual Act, in: History|Sexuality|Law, 19.05.2021, (besucht am: 01.06.2021).

[6] Plenarprotokoll 19. Wahlperiode, 229. Sitzung, Berlin 19.05.2021, S. 98 ff.

[7] Sam Levin: Compton’s Cafeteria riot: a historic act of trans resistance, three years before Stonewall, in: The Guardian, 21.06.2019.

[8] Victor Silverman und Susan Stryker: Screaming Queens. The Riot at Compton’s Cafeteria (2005); Jude Dry: FX’s Sweeping ‘Pride’ Docuseries Is an Engaging and Substantive Historical Record, in: IndieWire, 29.05.2021.

[9] Susan Stryker: Transgender History, Berkeley 2008.

[10] Sandy Stone: The “Empire” Strikes Back. A Posttranssexual Manifesto, in: Kristina Straub und Julia Epstein (Hrsg.): „Body Guards: The Cultural Politics of Gender Ambiguity“ (New York: Routledge 1991).